Crítica de Sospechosos Habituales

En 1995 un, hasta entonces casi desconocido director neoyorkino, sorprendió a propios y extraños con un film que fue llevándose galardones por todos los festivales nacionales por los que pasaba. Si no era el de mejor director, era el de mejor actor secundario o mejor película. Y es que Sospechosos Habituales no dejaba indiferente a nadie.

Ganadora con dos Premios de la Academia en 1996, el guión de Christopher MacQuarrie (que en breve nos traerá Jack y las habichuelas mágicas) es uno de los mas geniales y originales del género. Tras una historia típica de delincuentes logra esconder, de forma magistral, una trama que va más allá de lo aparente, todo ello contado de forma poco cotidiana pero muy efectista.

El film comienza de manera que te atrapa desde los primeros fotogramas, mostrándonos las escenas del desenlace final, pero ocultando todos los detalles de forma que no explica nada pero deja ver por donde puede ir los tiros, nunca mejor dicho. A partir de aquí el montaje nos traslada en el tiempo a unos días antes de dicho suceso, en una de las escenas mas recordadas del film y del género. La captura y posterior rueda de reconocimiento de los protagonistas se ha convertido en todo un clásico. Cinco personajes que nada tiene que ver uno con el otro, tan distintos tanto en apariencia como en carácter que únicamente tienen en común el delito por el que son sospechosos. Este fortuito encuentro provocará que sus caminos se crucen para formar una única autopista con destino a un sencillo golpe. Todo ello, claro está, tras unas duras negociaciones para convencer a mas de un miembro para formar parte de este plan.

A partir de aquí el ritmo del film comienza a alcanzar velocidades vertiginosas, todo ello contado de voz de uno de aquellos sospechosos durante un interrogatorio policial. La escena del primer golpe de esta nueva banda es magistral, un robo que hubiese firmado el mismísimo Michael Mann para su fabulosa Heat. Una muestra más de la grandeza de esta película.

Pero un guión original y envolvente no sirve de mucho si no está respaldado por unas buenas actuaciones. Es aquí donde toma partido el grandioso reparto con el que cuenta esta producción, encabezada por un increíble Kevin Spacey. Su actuación, que le valió un Oscar, debería mostrarse en todas las academias de actores. Su papel, de estafador tullido, es todo un homenaje al género culminado con un final apoteósico de los que marcan época.

Junto a el nombres de tanto nivel como el de Benicio del Toro, que a pesar de no tener un rol demasiado participativo cumple a la perfección, clavando el estereotipo de latino de mediados de los 90. Gabriel Beyre es otro de los destacados del film, metiéndose en el pellejo de Dean Keaton, un mafioso con muchos antecedentes a sus espaldas, que intenta alejarse de ese mundo que tanto y tan poco le ha dado. El actor irlandes ha tenido posteriormente una amplia filmografía, pero este es quizás su mejor interpretación. Muestra perfectamente esa lucha entre lo que es racional y lo que él es realmente, convirtiéndolo en uno de los pilares fundamentales del film y el cabecilla de este grupo de delincuentes.

Otro actor que nos sonará es Chalz Palminteri, que en esta ocasión adopta el rol del agente especial Dave Kujan. Su cara a cara con Roger "Verbal" Kint, el personaje que da vida Kevin Spacey, es inmenso, ya que consigue combinar la típica dureza policial con ese sentimiento de lástima por las condiciones físicas de Roger. Gran parte de la película es este affaire, que nos muestra a un Palmiteri que no se deja ensombrecer por la larga sombra de la actuación de Spacey.

Stephen Baldwin, Giancarlo Esposito o Pete Postlethwaite son algunos de los muchos nombres que conforman el excepcional reparto del film y que, en mayor o menor medida, ayudan a enriquecer un guión que es de lo mejorcito de la década de los noventas en cuanto a thrillers se refiere.

Otro de los aspectos a destacar de la obra es la magnífica música compuesta por John Ottman. El compositor, que se estrenaba en el mundo del séptimo arte con otra obra de Singer, nos deleita en esta segunda composición con unas partituras melódicas para el tema central, y unas con mucho mas ritmo y celeridad para las escenas de acción. El tema central es muy pegadizo, siendo un acierto haberlo introducido en los instantes iniciales del film representando momentos de calmas previos a la gran tempestad que se avecinaba. Una gran banda sonora para un género que últimamente no se prodiga mucho en este aspecto.

No podíamos dejar de mencionar la gran fotografía de Newton Thomas Siegel, que es uno de los fijos en las producciones de Bryan Singer. Escenas como la de la llegada a la reunión con Redfoot o el asalto al ascensor donde viaja Kobayashi son algunos ejemplos del magnífico trabajo tras las cámaras, un aspecto que potencia exponencialmente la ya de por si atractiva historia.

Con el tiempo hemos podido comprobar que Sospechosos Habituales es, quizá, una de las películas de referencia de historias de delincuentes, donde no todo es lo que parece. Un reparto de lujo con nombres como los de Kevin Spacey que le valió el Oscar al mejor actor secundario por su papel de delincuente tullido, Benicio Del Toro o Stephen Baldwin hacen que la película enganche desde un primer momento y consiga mantener el interés a lo largo de sus 90 minutos, una duración perfecta para que no resulte pesada y de tiempo a exponer toda la trama.

El secreto de su éxito radica, sin lugar a dudas, en su sencillez y acierto en la forma de mostrarnos la historia, dejando de lado la mayoría de aspectos personales de cada personaje. Con esto, además de no aburrir al espectador con algo superfluo y totalmente ajeno al guión, consigue acelerar todos los sucesos de forma que no da oportunidad de perder el hilo argumental, invitándonos a asistir a uno de los mejores finales que un thriller de este estilo puede ofrecer.

Nuevo podcast de Hello Friki con nuestra colaboración

Ya podéis descargaros desde IVOOX o desde este enlace el nuevo podcast de Hello Friki. En él analizamos estrenos como Argo, Looper,  Lo Imposible, Skyfall o Las Aventuras de Tadeo Jones. Recordaremos un clásico de la animación como Anastasia, nos adentraremos en el inframundo del cine de serie Z con "Karate a Muerte en Torremolinos" y repasaremos las últimas novedades en literatura y series de TV. Como colofón, debatiremos sobre la venta de Lucasfilm a Disney.

Un podcast que no puedes dejar de escuchar con las aportaciones de Victor M. Yeste, M. C. Catalán, Manuel Callejo, g4f5g6 y un servidor.

Crítica de Minority Report

¿Qué ocurriría si juntásemos a uno de los directores de mayor reconocimiento y a uno de los actores más carismáticos de Hollywood? Sin duda el éxito estaría asegurado. Esto es lo que se hizo en Minority Report, juntando a Tom Cruise y Steven Spielberg en un ambicioso proyecto que recibió la crítica unánime de los medios especializados. Basada en la novela de Philip K. Dick, de la que han salido grandes obras como la idolatrada Blade Runner (uno de las mejores adaptaciones a la gran pantalla de una obra de ciencia ficción), la historia nos atrapa en un oscuro y frió futuro donde las investigaciones criminales han dejado paso a la predicción de los mismos. Este sistema preventivo va a provocar que los cuerpos de seguridad vaya siempre un paso por delante a los presuntos delincuentes. Se intervendría sobre la "potencia" y no sobre el "acto" como diría la filosofía clásica. Es aquí donde enlazan los denominados "precog". Unos seres que, con apariencia humana, son capaces de predecir los actos de violencia antes de que estos sucedan. Mantenidos en un medio acuático, se convierten en uno de los aspectos más originales y sorprendentes de la obra. Pero, como ocurre en la realidad, nada está exento de fallos y siempre se van a encontrar fracturas que, por pequeñas que sean, pueden derrumbar un sistema "casi" perfecto.

La historia nos lleva hasta uno de esos agujeros, en el que se ve implicado el personaje caracterizado por Tom Cruise. El actor nos deleita con una actuación digna de un buen trhiller de ciencia ficción, pasando de cazador a presa, en una muy buena interpretación, que nos hace recordar obras como El Fugitivo. Además, como ya hiciera en la saga Misión Imposible, él mismo rueda las escenas de acción, lo que dice mucho de la entrega que hace por su trabajo, arriesgando más de lo que suelen hacer la inmensa mayoría de los actores. Junto al neoyorkino podemos ver a un grupo de intérpretes que rallan a gran nivel entre las que sobresalen Klea Scott, en su papel de precog y Jessica Capshaw como esposa de John Anderton.

Pero sobre todo destaca un Colin Farell que realiza un aceptable papel, y que le sirvió para impulsar su carrera artística y ver aumentando su caché como actor. Resulta curioso y sorprendente que el actor español Javier Bardem rechazase este papel, que en un principio le ofreció Spielberg y que supuso un retraso en el salto hollywoodiense del canario.

Pero si hay alguien quién dota de carácter y personalidad a este film es su  director, el consagrado Steven Spielberg que repite género tras la controvertida Inteligencia Artificial. El rey Midas de Hollywood nos da su visión de este futuro mezclando lo que conocemos hoy en día y lo que vendrá el mañana, haciendo que la historia no la veamos como algo excesivamente lejano. Consigue, como nadie, sacar lo mejor de los actores en cada una de las secuencias del rodaje y es capaz de llevar los efectos especiales a su máximo esplendor. Es su sencillez y capacidad para sorprender lo que hace que todas y cada una de sus películas sean un espectáculo visual, llevándonos a disfrutar de cada plano, diálogo o toma.

Una buena dirección y un trabajado guión no es nada sin una buena composición musical, y como suele ser habitual en las películas de Spielberg, el elegido para ponerle música a esta obra es el polivalente John Williams. En esta ocasión nos deleita con una composición mas propia del cine negro que de una película de ciencia ficción, alternando movimientos de auténtico suspense con otros de verdadera acción. Una buena partitura que cumple con su proposito, pero que quizás esté un poco por debajo de lo que el maestro nos tiene acostumbrados. Y es que si la sacamos del film, no llega a decirnos gran cosa como si ocurre con muchas de las creaciones de este genial compositor.

Otro de los aspectos que mas llama la atención es la utilización de las tonalidades azules durante todo el metraje. Esto denota frialdad a ese extraño futuro que Dick nos proponía en la historia original y que Janusz Kaminski, director habitual de fotografía de Spielberg, ha plasmado de esta forma. El resultado es bastante acertado, consiguiendo despertar en el espectador ese sentimiento de un futuro alejado del calor y sentimiento humano.

Únicamente quedaba dotar la película de espectacularidad e intensas escenas de acción. ¿quién mejor que los magos de ILM para hacer posible este futuro que nos presenta Spielberg?. El resultado obtenido es increíble, deleitándonos con unos diseños y artilugios que nunca hubiésemos imaginado y que se integran en el film de manera perfecta. Las ciudades, los vehículos, los carteles de anuncios... todo es un gran espectáculo para nuestros ojos y una buena fuente de inspiración para futuros adelantos tecnológicos.

Resulta cuanto menos interesante, que hoy en día uno de los efectos más llamativos del film, que era ver a John Anderton (Tom Cruise) en la sala de control moviendo pantallas únicamente con gestos, se pueda hacer hoy en día prácticamente igual con algunos sistemas de entretenimiento. Algo impensable hace doce años y que hoy en día es toda una realidad.

Podemos resumir que la unión del guión de Scott Frank, la obra original de Philip K. Dick y la dirección de Steven Spielberg ha dado como resultado un film cargado de tensión y visualmente deslumbrante. La puesta en escena es inmejorable y algunas de las carencias de la historia se han sabido disimular, tras unos sorprendentes efectos especiales, que agrandan aún más la prodigiosa capacidad para ganarse al público que tiene esta leyenda de la dirección.

Crítica de THX1138

Hablar de THX1138 es hablar de George Lucas en estado puro. Esta puede considerarse el primer largometraje del director californiano que siempre ha sentido especial predilección por el género de la ciencia ficción.

Aunque esta obra poco o nada tiene que ver con su gran éxito, Star Wars, si que encontramos algunos puntos en común con la saga a pesar de ser leves pinceladas en un gran óleo. Es sobre todo en la utilización de efectos visuales, innovadores para comienzo de los 70, donde vemos la mano de este genio del séptimo arte.

El guión, obra del propio Lucas, nos lleva a una sociedad futura donde toda clase de sentimientos han sido usurpados gracias a las drogas que contienen los impulsos sexuales y afectivos de los ciudadanos. Similitudes que encontramos en obras mas recientes como Equilibrium o La Isla de Michael Bay, que adoptó algunos de los aspectos de este film.

THX, es el nombre genérico que se le da a los humanos que trabajan como operarios en esta sociedad, seguido del número de registro de cada individuo. Pero parece que estas siglas debieron caerle en gracia al propio Lucas ya que, años mas tardes, la vemos en muchas salas cinematográficas como certificación de una norma audiovisual patentada por el propio director.

En esta ocasión la historia se centra en el individuo 1138, que deja de tomar dichos "medicamentos" para descubrir un mundo que no tiene nada que ver con lo que sentía bajo el efecto de los estupefacientes. Esto le llevará a convertirse en un fugitivo del gobierno, perseguido por unos curiosos androides que hacen las veces de policías. A partir de aquí es cuando la obra toma diverso paralelismo con otro clásico de la ciencia ficción como es La Fuga de Logan.

Todo este mundo tejido por Lucas nos da una idea de la imaginación del californiano, y no es más que un pequeño ápice de lo que años mas tarde nos ofrecería con la idolatrada Star Wars. A lo largo del film ya se ven muchos de los artilugios futuristas mas tarde serían adaptados a numerosas superproducciones.

 Pero si algo caracteriza la obra es la frialdad que nos muestra la fotografía de Albert Kihn. Un homenaje al minimalismo desde las primeras secuencias y que tiene su punto álgido en la extraña prisión donde es encerrado el THX1138.

Robert Duvall protagoniza esta interesantísima producción con la complicada labor de meterse en la piel de un personaje sin sentimientos, mas próximo a una máquina que a un ser humano. Podemos decir que el actor cumple a la perfección con este cometido, pero tampoco podemos alardear de que realizase el papel de su vida, y es que el guión tampoco estaba para florituras.

Junto a él, Donald Plesance que borda su papel de visionario en un mundo donde uno no puede pensar por si mismo. Maggie McOmie o Ian Wolfe completan un reparto que sirve para contar una historia más que para mostrar el dramatismo de unos personajes.

Lalo Schifrin es el encargado de ponerle música a este extraño guión, en lo que es una partitura que huye de los típicos sonidos electrónicos pero que nos mete de lleno en el ambiente futurista de la obra. Composición que se ve reforzada por el extraordinario trabajo de Walter Murch en el aspecto sonoro, que juega un importante papel en el desarrollo del guión.

THX1138 no es una obra maestra, ni creo que llegue a considerarse como un film de culto en las futuras generaciones. Yo lo consideraría mas bien un film experimental, donde George Lucas expresó parte de lo que tenía en su cabeza a modo de ensayo antes de su gran space opera.

Aparecemos en BoosterBlog

El Rincón del Palomitero aumenta sus fronteras, apareciendo en el índice de blogs del catálogo especializado BoosterBlog.es

"Se lo que hicisteis el último Halloween" primera colaboración

El especial "Se lo que hicisteis el último Halloween" es la primera colaboración que realizo con el podcast de  Hello Friki. Junto con Victor M. Yeste, M.C. Catalan, Manuel Callejo y g4f5g6 vivimos una aventura de miedo.

Los audios pertenecientes a este podcast fueron encontrados en un coche abandonado en una carretera terciaria en una noche especialmente neblinosa.

La guardia civil está investigando el asunto y ha vinculado el vehículo con la desaparición del equipo de Hello Friki Podcast: Víctor M. Yeste, M.C. Catalán, Manuel Callejo, g4f5g6 y Javier Roman. Al parecer, según se puede observar en el audio que vais a escuchar, decidieron grabar en el bosque para hacer un especial Halloween más terrorífico.

Los resultados fueron estremecedores. Pero, mientras tanto, pudieron hablar de muchas películas, novelas y series. Se grabaron hablando de las películas "Truco o Trato" (2007, Michael Dougherty), "La noche de Halloween" (1978, John Carpenter), "El misterio de la dama blanca" (1988, Frank LaLoggia), "Entrevista con el vampiro (Crónicas vampíricas)" (1994, Neil Jordan), "Drácula de Bram Stoker" (1992, Francis Ford Coppola), "Un hombre lobo americano en Londres" (1981, John Landis) y "La niebla" (1980, John Carpenter).

Además, hablaron de Stephen King y algunas de sus novelas, de Edgar Allan Poe y otros libros relacionados con el género del terror.

Si estáis dispuestos a oir los audios haz click aquí.

Crítica de War Horse

Desde el estreno de Munich en el año 2005, Steven Spielberg había destacado más por su faceta de productor que por los films que había dirigido. Películas como el remake de La Guerra de los Mundos o la última entrega de las aventuras de Indiana Jones, no había alcanzado las expectativas levantadas y aunque la taquilla no funcionó mal del todo, las críticas negativas cayeron como una pesada losa sobre el director.

El Rey Midas de Hollywood nos tenía acostumbrados a un cine mas épico, muy cargado de efectos especiales pero con situaciones que conseguían conectar con el espectador. En War Horse vuelve a esta fórmula que tan buenos resultados le ha dado, con una historia llena de emotividad y, algo que es muy importante para la taquilla, para toda la familia. Eso lo apreciamos en el hecho de que a pesar de haber numerosas escenas de batalla, con gran cantidad de bajas, han sido tratadas de forma que no aparece ni una sola gota de sangre. Un detalle que puede pasar inadvertido, pero que ha sido fundamental para su calificación moral.

Esta producción, de 66 millones de dolares de presupuesto, nos narra la historia de Joey un caballo de tiro que es comprado por un anciano campesino en una disputa con el hombre mas rico de la aldea. Las características del equino no lo hacían apto para las labores de labranza, pero el testarudo hombre invirtió en él todo el dinero que tenía para comprar animales mas adecuados. Este es el punto de partida de esta historia que tiene como principal protagonista al corcel, que viajará por parte de Inglaterra y media Francia ocupada durante el conflicto bélico de la Primera Guerra Mundial.

En un principio puede parecer que el guión de Lee Hall y Richard Curtis va a carecer de ese atractivo que han tenido otras obras del mismo estilo. Y es que historias de un caballos ya la hemos visto en muchas ocasiones en films como Belleza Negra o El Corcel Negro, por lo que nos puede surgir la duda de si nos vamos a encontrar algo original. Pero si algo tienen los films del director de Ohio es que no se parecen a nada que hayamos visto anteriormente. Consigue dotar de carisma al equino, dándole ese punto de "humanidad" que le hace ganarse el favor del público. Además los personajes que van cruzándose en su camino, lo van llevando en volandas por el sendero de la épica, hasta llevarlo a un final conmovedor y bastante bien rematado.

Entre todos ellos destaca el joven Jeremy Irvine, que debuta en la gran pantalla tras dar el salto desde la televisión. El personaje de Albert, a pesar de no ser un protagonista propiamente dicho, tiene el handicap que parte de la historia recae sobre él, hecho que afronta perfectamente, con mucha profesionalidad para ser su primer papel de renombre.

Junto a el encontramos a Peter Mullan, un secundario bastante habitual en las producciones del otro lado del charco, y que pudimos ver en obras como la saga Harry Potter o Braveheart. Su papel como padre de Albert lo realiza a la perfección, consiguiendo despertar tanto pena como odio. Una corta pero meritoria actuación.

Es quizás el nombre de Emily Watson el más conocido del reparto, en su rol de madre de Albert. Su actuación es bastante discreta, pero también es cierto que el guión le tenía deparado un papel demasiado secundario. A pesar de ello demuestra las tablas que tiene esta fantástica actriz. Celine Buckens, Niels Arestrup o David Thewlis son algunos de los otros nombres que completan el reparto y que se irán cruzando con el corcel en su travesía por los campos de batalla.

Pero si algo destaca en este film es su fotografía. Janusz Kaminski  es el director de fotografía de los films de Spielberg desde La Lista de Schiendler, película que le hizo alzarse con su primer premio de la Academia. En War Horse nos delata con unos magníficos paisajes de la campiña inglesa de principios del siglo veinte. Una época bastante oscura marcada por el primer gran conflicto bélico de la época contemporánea, y que plasma a la perfección en todas y cada una de las imágenes. A medida que se van desarrollando las mas de dos horas que dura el film, la acción se traslada hasta Francia con unas impresionantes vistas del país vecino. Llama la atención las cuidadas escenas en el interior de las trincheras, que puede servir como ejemplo de la magia que el polaco puede ofrecer al espectador.

Todo ello acompañado por la música de uno de los grandes. Como viene siendo habitual desde Tiburón, John Williams le pone melodía  a la mayoría de las producciones de Steven, hecho que que ha permitido ganar numerosos galardones y ofrecer muchas de sus mejores composiciones. En esta ocasión deleita nuestros oídos con unas partituras bastante melódicas, muy acordes con el sentimiento de depresión que azotaba Europa en ese tiempo, pero sin dejar de lado el vibrante tema central que, en forma de metáfora, se asimila al sentimiento de esperanza al que se aferran los protagonistas del film. Una nueva composición por la que Williams fue nominado a los premios de la Academia, y que se puede disfrutar tanto con imágenes como sin ellas.

Una película para toda la familia que vamos a disfrutar independientemente de la edad que tengamos, y que demuestra que de una historia con poco interés se puede obtener una gran obra. Todo ello gracias a esa capacidad que tiene Steven Spielberg para asombrarnos y hacernos meternos de lleno en sus creaciones.

Crítica de Las Aventuras de Tadeo Jones

Hace no mucho el género de la animación era algo que se había resistido a materializarse dentro de nuestras fronteras. A pesar de tener muy buenos diseñadores trabajando al otro lado del charco para grandes potencias como Pixar o Dreamworks, no había muchas productoras que apostasen por nuestras propias creaciones.

Es cierto que competir con la gran industria estadounidense del género es muy complicado, pero si no se intenta no se sabe lo que puede suceder. El Bosque Animado, de Ángel de la Cruz y Manolo Gómez fue una de las primeras películas, de animación digital, que se atrevió a quitarse todos los complejos y aparecer en las carteleras de muchas de las salas cinematográficas de nuestro país. Con medio millón de Euros recogidos, podemos decir que no fue un fracaso, a pesar de andar con un nivel muy justo.

Once años mas tarde, y de la mano de Tele 5 entre otros, nos llegan las aventuras de un aficionado a la arqueología, que sueña con encontrar algún tesoro que le haga ser portada del National Geographic. Tadeo, como se le conoce, es un albañil obsesionado con los yacimientos arquelógicos, y donde otros ven un gran agujero excavado para clavar un pilar, el ve una gran ocasión para desenterrar una antigua reliquia, repercutiendo muy  negativamente en su trabajo.

Este es el punto de partida de esta divertida comedia de aventuras dirigida por el debutante Enrique Gato y con los guiones de Verónica Fernández y Jordi Gasull. La película, que esta disponible tanto en el sistema 2D como el 3D, es toda una concatenación de situaciones llenas de acción y humor. A pesar de que la historia puede resultar algo plana y predecible, es todo un homenaje a la industria de George Lucas, con continuos guiños tanto al famoso buscador de antigüedades  Indiana Jones, como a la saga de Star Wars.

Siendo objetivos con el film, es un producto realizado para ver en familia y especialmente para los mas pequeños. De ahí que a los que ya pasamos la edad de hacer la comunión nos pueda parecer que el guión está muy justo, pecando de meter con calzador muchas de las situaciones que vive este aventurero a la española. Pero mirándolo desde el punto de vista infantil, la película es muy emocionante, divertida, y además con una animación atractiva y bien conseguida. Lo que más pueda chocar es que ha intentado ensamblar en muchas ocasiones la animación sobre fondos y paisajes reales, no dando muy buenos resultados.

Zacarías M. de la Riva, que ya pudimos escuchar en la película de animación La Leyenda del Cid, es el encargado de ponerle música a este aventurero que viaja con iberia. Una composición muy acorde con el film, llena de ritmo, que acentúa aún mas las numerosas situaciones de tensión que viven los protagonistas.

Una producción divertida, llena de acción que va a gustar mucho a los mas pequeños y va a entretener a los que no lo son tanto. Una buena noticia que vayan saliendo productos así, en un género que poco a poco va haciéndose un hueco en el ámbito internacional.