Crítica de la Tumba de las Luciernagas

Actualmente si que estamos acostumbrados a que nos llegue, desde tierras niponas, films de animación de todos los géneros para un público adulto. Pero cuando se estrenó La Tumba de las Luciérnagas, a finales de la década de los ochenta, lo que acostumbraba a llegar desde oriente eran series y films más destinados a un público mucho más infantil.

Es por todo esto que el film de Isao Takahata, sorprendiese, gratamente, a gran parte del público occidental, poco acostumbrado a ver en "dibujos animados" un film de tanta carga dramática.

La historia, guionizada por el propio director, basándose en la novela de Akiyuki Noska, nos traslada hasta un Japón inmerso en plena Segunda Guerra Mundial. Los acontecimientos de Pearl Harbor supusieron la entrada de los estadounidenses en el conflicto, teniendo como consecuencia continuas represalias, en forma de bombas, sobre las apacibles poblaciones japonesas.

Es en uno de estos bombardeos, cuando Seita y Setsuko quedan huérfanos de madre. Los obuses caídos desde los aviones americanos han arrasado con todo lo que cogían a su paso, dejando al joven y su hermana sin madre, sin hogar y casi sin esperanzas de supervivencia. Este motivo provocan que tengan que instalarse en casa de una tía suya, a la que la idea de hacerse cargo de los dos menores no le agrada del todo. Este hecho, unido al excesivo infantilismo de Seita, provocan que la estancia en casa del familiar sea mas corta de lo esperado y decidan, con medios casi nulos, instalarse en otro lugar donde nadie le diga lo que tiene que hacer.

Este sería, a muy groso modo, el punto de partida de una historia muy amarga, inmersa en una burbuja de melancolía y tristeza propia de la época en la que se desarrolla. Quizás esto, fue lo que convenció al espectador para considerarla una obra maestra del género. Y es que, a pesar de tener el estilo y la animación clásica a la que estamos acostumbrados, la historia se escapaba de lo corriente.

Un dibujo de trazos suaves, con colores muy apagados y un ritmo bastante lento que danzan bajo las fabulosas notas de Michio Mayima. Su composición musical para el film es sublime, envolviendo cada secuencia con una serie de melodías, que imprimen aún más fuerza al dramatismo vivido por los protagonistas.

Esta obra, dirigida magistralmente por un director experimentado, al que encontramos en grandes clásicos como Heidi, Marco o Ana de las Tejas Verdes, es una delicia para nuestros sentidos, a pesar de tener un desenlace de esos que recordamos con pesadumbre y poco ánimo.

Crítica de Las Aventuras de Tadeo Jones

Hace no mucho el género de la animación era algo que se había resistido a materializarse dentro de nuestras fronteras. A pesar de tener muy buenos diseñadores trabajando al otro lado del charco para grandes potencias como Pixar o Dreamworks, no había muchas productoras que apostasen por nuestras propias creaciones.

Es cierto que competir con la gran industria estadounidense del género es muy complicado, pero si no se intenta no se sabe lo que puede suceder. El Bosque Animado, de Ángel de la Cruz y Manolo Gómez fue una de las primeras películas, de animación digital, que se atrevió a quitarse todos los complejos y aparecer en las carteleras de muchas de las salas cinematográficas de nuestro país. Con medio millón de Euros recogidos, podemos decir que no fue un fracaso, a pesar de andar con un nivel muy justo.

Once años mas tarde, y de la mano de Tele 5 entre otros, nos llegan las aventuras de un aficionado a la arqueología, que sueña con encontrar algún tesoro que le haga ser portada del National Geographic. Tadeo, como se le conoce, es un albañil obsesionado con los yacimientos arquelógicos, y donde otros ven un gran agujero excavado para clavar un pilar, el ve una gran ocasión para desenterrar una antigua reliquia, repercutiendo muy  negativamente en su trabajo.

Este es el punto de partida de esta divertida comedia de aventuras dirigida por el debutante Enrique Gato y con los guiones de Verónica Fernández y Jordi Gasull. La película, que esta disponible tanto en el sistema 2D como el 3D, es toda una concatenación de situaciones llenas de acción y humor. A pesar de que la historia puede resultar algo plana y predecible, es todo un homenaje a la industria de George Lucas, con continuos guiños tanto al famoso buscador de antigüedades  Indiana Jones, como a la saga de Star Wars.

Siendo objetivos con el film, es un producto realizado para ver en familia y especialmente para los mas pequeños. De ahí que a los que ya pasamos la edad de hacer la comunión nos pueda parecer que el guión está muy justo, pecando de meter con calzador muchas de las situaciones que vive este aventurero a la española. Pero mirándolo desde el punto de vista infantil, la película es muy emocionante, divertida, y además con una animación atractiva y bien conseguida. Lo que más pueda chocar es que ha intentado ensamblar en muchas ocasiones la animación sobre fondos y paisajes reales, no dando muy buenos resultados.

Zacarías M. de la Riva, que ya pudimos escuchar en la película de animación La Leyenda del Cid, es el encargado de ponerle música a este aventurero que viaja con iberia. Una composición muy acorde con el film, llena de ritmo, que acentúa aún mas las numerosas situaciones de tensión que viven los protagonistas.

Una producción divertida, llena de acción que va a gustar mucho a los mas pequeños y va a entretener a los que no lo son tanto. Una buena noticia que vayan saliendo productos así, en un género que poco a poco va haciéndose un hueco en el ámbito internacional.

Crítica de Frankenweenie

Desde hace algún tiempo para acá el cine de Tim Burton no conseguía conectar completamente con el público. Y es que el director californiano, tras sorprender con obras como Big Fish o Eduardo Manostijeras, había comenzado una etapa con films atacados desde muchos sectores de la crítica especializada. Películas como Alicia en el País de las Maravillas o la decepcionante Sombras Tenebrosas provocaron numerosas opiniones negativas que se hicieron sentir tanto entre sus fans como en la taquilla de las salas cinematográficas.

Un campo donde Burton ha cosechado numerosos éxitos ha sido el de la animación, con un film que se ha convertido en todo un referente y que tiene legiones de seguidores repartidos por todo el mundo. Pesadilla antes de Navidad, a pesar de no ser dirigida por él, se ve influenciada por su mano desde el primer segundo siendo una de las obras del género mejor valorados tanto por la crítica como por los espectadores.

Con La Novia Cadáver decidió repetir con esa fórmula que tan bien le había funcionado, volviendo a convertirse en todo un éxito de taquilla. Y es que el sistema stop-motion utilizado en ambos films permitía que el director proyectase, de una forma acertada, las ideas que iban saliendo de sus guiones. Este sistema completamente artesanal de animación conseguía, fotograma a fotograma, plasmar la dualidad vida y muerte,  que en tantas ocasiones cruzan los personajes mas carismáticos de este genio de la dirección.

Y como no hay dos sin tres, Tim Burton decidió volver a esta técnica que tantos éxitos había cosechado para traernos el largometraje de un corto que, en 1984 y rodado en blanco y negro, nacía de la imaginación del director. La pequeña producción, de menos de media hora de metraje, se realizó con personajes de carne y hueso y , desgraciadamente, nunca llegó a verse en la gran pantalla.

Esta espinita que parecía haberla llevado clavada Burton, ha tenido una nueva oportunidad casi 30 años después. En esta ocasión los actores han sido sustituidos por figuras de "plastilina", lo que le ha dado un toque más "para todos los públicos" sin quitarle la esencia del guión original. Solo observando las primeras imágenes nos damos cuenta que se ha querido mantener la estética de La Novia Cadáver, con personajes de caras alargadas y cuerpos delgaduchos. Para mantener el paralelismo con el corto del que nace este Frankenweenie se ha optado por eliminar todo el colorido, resultando un film que recuerda a los clásicos del género de terror. Pero no solo tiene esa esencia, ya que la película es todo un homenaje a ellos, que va desde los nombres de los personajes hasta la curiosa escena donde en un televisor aparece Christopher Lee interpretando al mítico Conde Drácula.

En cuanto oimos hablar de Victor Frankenstein o Elsa Van Helsing  automáticamente relacionamos, sin mucho esfuerzo, a los personajes con los films del género, siendo los diseños de estos otro aspecto que recuerdan, casualmente, a aquellos seres que causaban el terror a lo largo de la segunda mitad del siglo pasado. Incluso se hace mención a Mary Shelley, creadora de Frankenstein y que da nombre a una de las "pequeñas" mascotas del film.

Con tal cocktail de personajes y la imaginación de Tim Burton era difícil que no se obtuviese un film cuanto menos entretenido.Y lo cierto es que lo consigue basándose en unos buenos diseños, que es capaz de crear una atmósfera que te atrapa desde los primeros fotogramas. La historia recrea a la perfección el mito de Frankenstein adaptándolo al universo Burtoniano y transformándose para todos los públicos en la figura de Sparky. Algo que no podía haber sido posible sin el apoyo de la magnífica música del genial compositor Danny Elfman. Para ello regresa al estilo sinfónico y fantasioso de Eduardo Manostijeras, con unas partituras que te atrapan y te arrastran por las calles de Nueva Holanda como un personaje más. Y es que el pequeño pueblo y todo lo que allí acontece se ve favorecido y potenciado por la gran fotografía del debutante Peter Song.

Podemos afirmar que Tim Burton vuelve, en parte, a sus orígenes con una película muy entretenida, para ver en familia, con una historia muy divertida y que es un homenaje al cine clásico de terror. Un film que devuelve al autor de Bitelchus parte del prestigio que había ido perdiendo los últimos años, y que demuestra que a la animación artesanal aún le queda mucho camino por recorrer.